Era autodidacta, sordomudo y analfabeto. El museo Reina Sofía inaugura mañana la primera muestra retrospectiva que se hace en España de James Castle (1899-1977).
miércoles, 18 de mayo de 2011
James Castle, el artista salvaje que exponía en graneros.
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Era autodidacta, sordomudo y analfabeto. El museo Reina Sofía inaugura mañana la primera muestra retrospectiva que se hace en España de James Castle (1899-1977).
Era autodidacta, sordomudo y analfabeto. El museo Reina Sofía inaugura mañana la primera muestra retrospectiva que se hace en España de James Castle (1899-1977).
Leon Golub
Leon Golub (Chicago, 1922 -New York 2004)
Con un estilo diferente, ajeno a las corrientes artísticas del siglo XX, el trabajo de león golub plantea una renovación artística de valores que se creían ya agotados, como la pintura histórica o el retrato, vuelven a tener una capacidad expresiva y crítica inesperada.
Su evolución artística, resulta sorprendente, se movió entre las corrientes artísticas del informalismo abstracto de Michel Tapies o de Jean Dubuffet, evolucionando hacia espacios en los que la obra progresivamente va ocupando el realismo más traumático.
El escenario político internacional del momento, caracterizado por la brutalidad de conocidos hechos como la guerra del Vietnam, el apartheid sudafricano o las consecuencias de los deseos imperialistas, todo esto crece ,y florece en la pintura de Golub como si se de un murmullo imposible de silencia se tratase. No se produce el aislamiento de la sociedad y del clima político, propio de la tradición pictórica moderna, sino todo lo contrario, apareciendo constantes alusiones en sus pinturas a personajes, sucesos políticos y sociales concretos.
domingo, 24 de abril de 2011
sábado, 23 de abril de 2011
Bellini
En un edificio en ruinas, en la zona céntrica de Catania se encontraba en una pequeña sala, la casa donde nació el compositor italiana Bellini. Se exponían partituras del compositor almacenadas como papeles en estanterías, deteriorándose, distintos pianos e instrumentos musicales. Sorprendía lo descuidado del museo, y lo reducido que era.
Nació en Catania, Sicilia, y se educó en el conservatorio de música de Nápoles. En 1831, el estreno de sus dos óperas más populares, La Sonnambula y su obra maestra Norma, le dieron la fama internacional.
Su ópera Norma, cuyo rol es considerado el más difícil de los repertorios de las cantantes soprano. Durante todo el siglo XX, sólo fueron un reducido número de cantantes los que fueron capaces de representarlo con éxito.
Compuso para genios del Bel canto( una forma de expresión lírica que exigía gran precisión y agilidad vocal. Daba importancia a la relación entre la música y el texto. Sus óperas consiguen un gran efecto melodramático, admirado por su peculiar belleza.
viernes, 22 de abril de 2011
Accardi
En Catania (sicilia )visite una exposición de la artista italiana Carla Accardi, titulada ``segno e trasparenza`` , situada en la fondazione puglisi cosentino , Palazzo Valle .
Carla Accardi (Trapani, 9 de octubre de 1924) es una artista que ha contribuido al auge del arte abstracto en su país.
Después de estudiar en la Academia di Belle Arti, en Palermo, en 1947 se adhirió al formalismo, y fue co-fundadora, con Attardi, Consagra, Dorazio, Guerrini, Perilli, Sanfilippo (con quien se casó en 1949) y Turcato, del Grupo de vanguardia artística, Forma 1, de inspiración marxista. Una vez elegido el no-figurativo, en 1954 crea "autorigenerativi", cuadros pintados con líneas blancas sobre fondos negros.
Después de estudiar en la Academia di Belle Arti, en Palermo, en 1947 se adhirió al formalismo, y fue co-fundadora, con Attardi, Consagra, Dorazio, Guerrini, Perilli, Sanfilippo (con quien se casó en 1949) y Turcato, del Grupo de vanguardia artística, Forma 1, de inspiración marxista. Una vez elegido el no-figurativo, en 1954 crea "autorigenerativi", cuadros pintados con líneas blancas sobre fondos negros.
El edificio, la arquitectura, la melodía que suena en cada una de las instalaciones, son sensaciones que arccardi busca crear en el espectador, interactuando con sus obras. Todo ello resultado de la colaboración con Gianna Naminnni que aporta la presencia sonora a la exposición,
El artista experimenta con signos, estampados sobre colores blancos y negros, que posteriormente cambiaran hacia otros colores más vivos, llegando a chillones en algunos casos.
El artista indaga en las posibilidades del signo, color, transparencia, luz, llegándolos a fundir en grandes instalaciones.
En el 1998 se le dedico por primera vez una exposición retrospectiva; Carla Accardi: Pinturas desde 1947 hasta 1997
En el 1999 se publicó el catálogo de Carla Accardi (Carla Accardi. Catálogo razonado. Edición Charta srl, textos de Germano Celant. Milán, 1999.
lunes, 11 de abril de 2011
ALEX GREY
La pintura psicodélica tiene posiblemente en Alex Grey a su máximo exponente, cumpliendo aquel prinicpio sagrado del arte de ofrecer visiones y conectar al ser humano con el mundo invisible.
Alex forma parte de la tradición del arte visionario de pintores como El Bosco, Peter Bruegel, William Blake, Dali,.. etc.
Inconfundibles son las redes, los filamentos luminosos, la filigrana, las auras, las espirales, los axis mundi (o ADN), los túneles y vórtices (chakras y sefirotes) siempre interconectándose .
domingo, 27 de marzo de 2011
domingo, 27 de febrero de 2011
Juguetes de Vanguardia.
En las vacaciones de navidad estuve de viaje en Málaga, visite el museo Picasso donde se encontraba una exposición sobre los juguetes de las vanguardias, he tenido abandonado el resumen que hice en su momento pero por fin me convencí a subirlo.
Retomo ahora las notas que tomé en la visita que, durante la Navidad de 2010, hice a Málaga, dónde además de visitar el Museo Picasso, vi la exposición “Los juguetes de las vanguardias”.
La exposición es un recorrido por el mundo de los juguetes desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX. En la exposición encontramos libros, fotografías, marionetas, recortables, decorados, muebles, muñecas, puzles, guiñoles para teatrillos callejeros, etc., creados por artistas como Duchamp ,Picasso, Calder, Klee, Miró, Joaquín Torres García, Vladimir Vasilievich Lebedev, Oskar Schlemmer, entre otros.
Paul klee
El juego es el hilo conductor, aunque los esfuerzos de los artistas fue integrar arte y educación, pues a principios del siglo XIX surgieron nuevas ideas pedagógicas que trataban de incidir de una manera muy especial en los aspectos culturales de la educación, y buscaban nuevos materiales didácticos para transmitir estos valores a los niños de entonces, sin olvidar la diversión y el disfrute de los familiares y amigos.
La exposición comienza con una selección de juguetes pedagógicos del siglo XIX, para a continuación encontrarnos con los guiñoles para teatrillos callejeros de Paul Klee, los puzles de maderas coloreadas con animales y casitas de Joaquín Torres García, los animales de la jungla de alambre y espuma de Bruno Munari o las locomotoras de madera de Ladislav Sutnar.
La exposición me sorprendió, tanto por la variedad de objetos como por el desconocimiento que tenía del acercamiento que los artistas antes citados habían hecho al mundo del juguete.
viernes, 25 de febrero de 2011
Trabajo Expresionismo
Para este trabajo elegí dos cuadros expresionistas, el primero se trata de un autorretrato de Matisse, y el segundo es una obra del artista Ernst Ludwing Kirchner.
miércoles, 23 de febrero de 2011
Art Madrid 2011.
El pasado domingo, fui a ver Art Madrid en el pabellón de cirstal de la casa de campo.
Es difícil poder describir lo que vi, digamos que fue una sobredosis de pintura, fotografía, escultura, etc. Conocí de primera mano, distintas formas de concebir el arte, en un inmenso de corrientes artísticas.
En pintura podías contemplar desde reconocidos artistas como Antoni Tapies con una obra madura, con influencias de Klee y Miro y una creación plástica diversificada y productiva admirada alrededor del mundo.
Oleo / papel entelado
Pasando al más puro realismo de artitas emergentes:
Eloy Morales Ramiro `` La pintura en mi cabeza``
Oleo sobre tabla.
Yoel DIaz Galvez `` Travesia de ensueño``
Oleo sobre lienzo.
En ambito de la escultura quizás fue en el campo que más me sorprendió, por la variedad de autores y los diferentes materiales empleados, las distintas formas de tratarlo. Podías contemplar obras totalmente suspendidas , de formas imposibles , como si levitaran ,de artistas como :
Resina poliester policromada
Girar la vista y contemplar una obra totalmente distinta:
Grzegorz Gwiazda`` Behold the man``
Papel con resina
Podría ejemplificar, eternamente cada uno de los autores y distintos materiales ( mármol, madera, bronce, cerámica patinada en hierro, resina poliéster policromada, terracota. Quizás fue esa diversidad por lo que destaco este campo como el que más despertó mi gusto. No había una regla común a todos, un patrón, una tradición a la que seguir, cada uno a su manera era fiel a su estilo, intentando innovar en algunos casos, volviendo a un gusto clásico en otros, pero no por ello dejar de ser moderno.
Art Madrid fue una aglomeración de ideas, tendencias, novedades, vanguardias de la actualidad, algunas despertaron mi interés otras no, pero igualmente respetables, pero como estudiante está en mi deber de conocerlos, ya que es este mi momento.
martes, 22 de febrero de 2011
TRABAJO DE ANALOGÍAS
Se trata del trabajo de analogos , constaba de dos partes , la primera seis composiciones de una misma figura ,con seis tipos de tonalidades , desde frias a oscuras. La segunda parte era la reproduccion a moyor escala de una de las seis composiciones anteriores.
Seleccione como modelo a Bob Dylan.
Seleccione como modelo a Bob Dylan.
viernes, 18 de febrero de 2011
M.C.ESCHER
Conocí a este artista por medio de un grupo de compañeros (Oscar, Ignacio, Belén y Cristina), que hizo un trabajo sobre él, para análisis de la forma, me gusto tanto que decidí pedirme un libro con sus obras para navidades.
El libro que me trajeron se titula`` M.C Escher.Estampas y dibujos ``, consta de dos partes la primera es una introducción en la que hace una serie de reflexiones y comparaciones entre una estampa puramente técnica, y una que intenta transmitir una idea. Las ideas son perfectas en nuestra mente, y cualquier obra que hagamos solo será un reflejo de ellas `` a pesar de nuestros esfuerzos nunca conseguimos realizar a la perfección aquello que concebimos en nuestro espíritu y que equivocadamente creemos contemplar.
Después de estas reflexiones, Escher habla de su introducción en la xilografía ( el tallar con la gubia superficie de una plancha de madera, las mas veces de peral, cortada en sentido longitudinal), así como de sus principales etapas e influencias en su obra artística. Posteriormente la otra parte del libro consta de otra parte titulada ``catalogo y descripción de obras`` formado por 76 obras con sus correspondientes imágenes, y esta era la parte que me impedía concentrarme en la otra, era incapaz de no adelantarme al libro y curiosear cada una de sus increíbles xilografías, me he quedado asombrado con estas imágenes, no me imagino como seria poder contemplarlas en persona.
Comentario todas ya que todas son verdaderas piezas perfectas, pero como seria interminable citare las 2 que más me llamaron la atención.
RELATIVIDAD
Tres planos gravitatorias distintos se influyen receptivamente en sentido vertical. Tres superficies, sobre cada una de las cuales viven personas, se cortan en ángulo recto. Dos habitantes de mundos distintos no pueden andar sobre el mismo suelo, estar sentados o de pie , ya que no coinciden las ideas que tienen de lo que es horizontal y vertical. No obstante pueden utilizar la misma escalera. En la mientras escalera superior, dos personas de mueven en la misma dirección. Pero una sube y la otra baja. Parece imposible que puedan llegar a establecer algún tipo de contacto entre sí: viven en mundos distintos, y nada saben sobre la existencia del otro.
OJO
El dibujante ha reproducido. La pupila que refleja a aquel que a todos mira.
martes, 15 de febrero de 2011
HARING
Aprovechando esta lectura que recibi como regalo en navidades , una vez la termine, me he decidido por hacer un pequeño resumen.
A la edad de tan solo 31 años falleció Keith Haring, a consecuencia del sida. Dejo una obra inmensa sus dibujos y pinturas, murales, y objetos animados, así como numerosas camisetas y carteles estampados forman parte del legado cultural que Haring dejo. Una obra amplísima en tan solo diez años, a pesar de su juventud y de la poca madurez de su obra, Haring ya era un artista reconocido, consolidado por los críticos y adorado por los niños.
En su corta vida se convirtió se convirtió en un articulo de exportación norteamericano, obtuvo fama y éxito comercial.
Su estilo tiene como identidad la línea, trazos simples, continuos, líneas que dibujan figuras, figuras que crean símbolos. No se aprecian fallos ni correcciones, tampoco asimetrías proporcionales, su creación artística se caracteriza por ser espontánea y definitiva.
En su obra se puede ver una búsqueda constante de la experimentación con soportes cambiantes: ya sean sobre muros, prendas de vestir, automóviles, papel, lienzo, vinilo.. etc.
Keith Haring no fue ningún autodidacta, recibió una formación artística, se sintió artista y como artista, se beneficio de la naciente era de los medios de comunicación, de una época sumergida en el capitalismo con grandes dosis de consumismo. Convino un estilo de las calles de nueva york en las que plasmaba sus obras que directamente eran vistas por las personas, sus opiniones, conversaciones, proporcionaban a Haring una verdadera conexión con el mundo exterior.
Transmitía mensajes, símbolos, y según él decía `` yo pinto cuadros que derivan de mis exploraciones personales él descifrarlos, el comprender sus símbolos y sus implicaciones se los dejo a otros. Yo solo soy un intermediario ``
Quizás sea por la sencillez de sus obras, su fácil visualización, por su acercamiento al mundo exterior, que miles de personas lleva sus camisetas y millones conocen su estilo.
lunes, 14 de febrero de 2011
Internet no es el fututo , internet es el presente.
Simplemente me quito el sombrero , el resto lo dice el en su discurso .
domingo, 16 de enero de 2011
Bob Dylan
Bob Dylan
Como admirador que soy de este gran artista, es necesario que diga que aparte del gran artista musical que es, hasta el 30 de enero del 2011(El Statens Museum of Kunst) se expondrán una serie de 40 lienzos hechos por Bob Dylan, inspirados en Brasil en los que se muestra la influencia del realismo americano de principios del siglo XX, además de afinidades profundas con algunos de los pintores del siglo pasado como el Matisse de los años 20.
Dylan representa la pobreza de las fabelas, los rincones de Brasil, e incluso una detención de la policía.
`` Bob Dylan no es solo un artista legendario, también un pintor apasionante, lo que no siempre es el caso de los cantantes de rock, que si se dedican a la pintura, es sin éxito``
domingo, 9 de enero de 2011
BERNI, LA MIRADA INTENSA
FUNDACIÓN PABLO PICASSO. MUSEO CASA NATAL DE MÁLAGA
22 de octubre de 2010 a 27 de febrero de 2011
Antonio Berni es uno de los artistas más representativos del arte argentino del siglo XX: Rosario 1905-Buenos Aires 1981.
Una de las características de Berni esté en su capacidad de exploración y apropiación de diferentes modalidades expresivas (surrealismo, nuevo realismo), sino también en el uso de diferentes técnicas y materiales. Combina temple y oleo usando telas rugosas como la arpillera. En el collage, utiliza materiales de desechos, metales, objetos grabados en relieve. Son muy interesantes “Las vacaciones de Juanito” y “Juanito y la aeronave”.
Berni experimenta también con el grabado, creando el xilo-collage en relieve, que él define así: “una forma del sistema de copia xilográfico, materiales pegados o moldeados al negativo con un volumen de hasta cinco centímetros enriquecido a su vez por el entintado de la plancha”.
Me han gustado los xilo-collage con los temas de Juanito y Ramona. Son dos seres del suburbio, marginados de la sociedad. Juanito es un niño muy humilde y Ramona es una prostituta. Comunica no solo con las imágenes poderosas en detalles y contrastes, sino también con los materiales de desecho (industriales, molduras de madera, plásticos, desguaces de vehículos) que utiliza en su obra y que proceden del mundo real.
FUNDACIÓN CAJA MADRID
16 de noviembre de 2010/ 13 de febrero de 2011
La exposición de los Jardines Impresionistas nos muestra un recorrido muy completo por el tema de los jardines y las flores en la pintura desde mediados del siglo XIX hasta las primeras vanguardias del siglo XX. El impresionismo nace en un momento histórico muy concreto. En Europa se ha iniciado un proceso de industrialización rápido e intenso, que está suponiendo una transformación de los paisajes y las ciudades.
A mediados del siglo XIX la introducción y el cruce de miles de plantas y de numerosas especies exóticas que procedían de Asia, África y América estimularon en los pintores europeos una pasión por el movimiento hortícola. Ejemplo de ello fueron Monet y Caillebote, que tenían jardín propio para disfrutar de la pintura al aire libre y estudiar los efectos de la luz y el color., pues para los impresionistas lo importante es reflejar el momento exacto.
Las aproximaciones de los impresionistas al tema del jardín se verá influenciada por tres características: la ciudad y el campo, paisaje público y jardín privado y lo poco decorativo lo productivo.
Me han gustado especialmente los cuadros de Sorolla, sus pinceladas y la utilización de la luz. Como a los impresionistas franceses los interesa la pintura al aire libre, tratando de captar la luminosidad mediterránea.
Otro pintor que he descubierto ha sido Gustav Kimt. Sus cuadros son muy personales, y me ha gustado especialmente La casa de los guardabosques.
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